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Arte

«El reto es una constante en mi vida y el lienzo es testigo de ello»

Cultura / Ocio
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    Miguel Arocha, maestro del dibujo. Foto: N. Gobierno
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    Aula en la que Arocha imparte sus clases de Anatomía Artística. Foto: N. G.
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    Un espacio dedicado a la creación y el aprendizaje. Foto: N. G.
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    Desnudo. Foto: N. G.
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    Desnudo. Foto: M. A.
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    'El descanso de la modelo', uno de los cuadros favoritos de Arocha. Foto: M. A.
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    Desnudo. Foto: N. G.
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    Retrato a Victoriano Ríos, presidente del Parlamento de Canarias hasta el año 1995. Foto: M. A.
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    Retrato a la exrectora de la ULL, Marisa Tejedor. Foto: M. A.
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    De la serie Meninas. Foto: M. A.
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    Cartel del Carnaval de 1998. Foto: PULL

Desde su niñez, Miguel Juan Arocha sabía que el lienzo y el pincel iban a formar parte indispensable de su vida. Ahora, tras años de lucha por ver cumplir su sueño y un amplio recorrido en la profesión, es considerado uno de los referentes más importantes de la cultura artística canaria. Su curiosidad y afán de superación han hecho que sus ilustraciones lleguen a distintas partes del mundo. Todo ello sin contar con otro de sus grandes talentos: la música. Esta faceta brindó al pintor la oportunidad de integrar el grupo Rockambole y compartir escenario con artistas de la talla de John Mayall.

¿A qué edad comenzó a pintar? ¿Recuerda su primer cuadro? «Con seis o siete años ya dibujaba El príncipe Baltasar Carlos a caballo, de Velázquez. Empecé haciendo retratos desde bastante joven, no recuerdo cual fue el primero, pero desde los 12-13 años ya les hacía retratos a mis amigos».

¿Qué es para usted la creatividad? «La creatividad está en todo. Creo que si Leonardo da Vinci hubiera sido médico, habría sido un médico brillante. Lo mismo que Einstein, si él hubiera sido pintor, habría sido un pintor tremendo. Considero que la creatividad está en todos los campos del saber y en la persona, en esa curiosidad por desvelar aquello que desconoce y por profundizar en aquello que le interesa. En una ocasión me preguntaron si el lienzo era un reto para mí: el reto es una constante en mi vida y el lienzo es testigo de ello. Sin embargo, una vez terminas una obra, deja de tener ese interés para ti. El lienzo se convierte en una especie de laboratorio en el que investigas, vas mejorando y vas descubriendo cosas, una vez has subido ese peldaño ya te estás encontrando con otro».

Dicen que la experiencia es un grado ¿Ocurre lo mismo en el marco creativo? «Creo que la madurez en el campo creativo se alcanza cuando adquieres una forma determinada de entender o tienes una visión pictórica muy personal donde no hay compartimentación; hagas lo que hagas, lo haces bajo tu forma de actuar. Así se empieza a crear y componer, se deja de tener cierta preocupación por aquellos aspectos técnicos, materiales e instrumentales para dedicarte, sin distracción, a aspectos puramente creativos: la mancha por la mancha, el color por el color…».

«El dibujo reduce la información a lo esencial»


¿Cómo puede estimularse la creatividad con la práctica del dibujo? «Estamos teniendo un problema y yo lo estoy notando en los últimos dos o tres años una barbaridad: el mal uso que se hace del móvil. Se está copiando y así no se aprende ni a dibujar, ni a entender los cuerpos o el entorno en el que estos se desarrollan. Por lo tanto, flaco favor nos está haciendo nuestro desenvolvimiento físico en la vida. Leonardo da Vinci decía que el arte consiste en que la mano obedezca al entendimiento. Hay que comprender y solo se comprende mediante los dibujos al natural y la visión binocular que nos permite ir recorriendo las superficies, conociendo cómo se desarrollan los cuerpos y cuál es la estructura de estos».

¿Qué ventajas ofrece el dibujo al natural? «Es curioso, a principio de curso suelo preguntar si hay algún medico en la clase de Anatomía artística y me han levantado la mano en dos o tres ocasiones, precisamente, han sido esos alumnos los que, a final de curso, se acercaron a mí y me dijeron: gracias Miguel, ahora sí que puedo decir que sé anatomía. Esto sucede porque han dibujado huesos y músculos y eso les ha obligado a conocerlos, a recorrerlos visualmente. El dibujo reduce la información a lo esencial y prescinde de todo aquello que es anecdótico o superficial».

¿En qué consiste la Anatomía artística? ¿Qué técnicas emplea? «Entre los objetivos principales está el de interesar al alumno por la estructura de todos los cuerpos a través de la anatomía humana: los movimientos, las articulaciones, la actitud, las proporciones y, sobre todo, aquello que tiene que ver con las cualidades dinámicas y estructurales del cuerpo que intervienen en la actitud y posturas del modelo. Las soluciones de la arquitectura, la ingeniería o la mecánica están todas en el cuerpo humano».

¿Qué le suele inspirar para sus cuadros? «Busco la belleza. Trabajo en el campo del realismo mágico porque juego con la abstracción de elementos que salen al escenario, se encuentran y, una vez ahí, construyen. El dibujo natural del cuerpo humano es lo que más me gusta, de hecho, la figura humana se ha utilizado desde siempre para enseñar a dibujar por los movimientos, las posturas… A través de este tipo de dibujo desarrollamos otras capacidades como la de síntesis, sensibilidad, percepción y representación a tres dimensiones».

«Velázquez llegaba a desproporcionar intencionadamente los cuerpos buscando un resultado estético»


¿Son los retratos capaces de reflejar la personalidad del retratado? «Sí, tanto que podríamos hacer un retrato de una persona por su mano. Marilyn Monroe movía la mano, la dejaba caer y ¡era una belleza! Todo tiene que ver con la composición, los dedos son una serie de elementos que pertenecen a una forma mayor que es la mano y, por lo tanto, esta se compone según la posición de los dedos. Así se aplica con todo. Lo de los retratos es fascinante, ya no solo por conocer todos aquellos rasgos que tienen que ver con la tipología facial, sino por todos aquellos que tienen que ver con la expresión. Cuando miro un rostro veo colores, rasgos de sinceridad, superficies bondadosas, cañadas en la piel… Es un disfrute».

Presentó en Madrid la exposición Homenaje a Velázquez, también realizó una conferencia en el Museo del Prado sobre Los dibujos de Velázquez ¿Es un referente para usted? «Sí. Velázquez llegó a entender la pintura con un puro hecho de investigación pictórica y se adelantó más de 200 años al fenómeno de la abstracción: las manos de Las Meninas están resueltas con tan solo tres pinceladas. La tesis que hice sobre sus dibujos me sirvió para demostrar que Velázquez llegaba a desproporcionar intencionadamente los cuerpos buscando un resultado estético. Cuando pintaba un cuerpo vestido, en su cabeza estaba el cuerpo desnudo. Por mi parte, he hecho numerosas interpretaciones de sus cuadros que han resultado ser reconocidas a nivel internacional. Hubo una que tuvo mucha repercusión, entre otras cosas por la originalidad y la valentía de desnudar a las vírgenes y a Jesucristo en la cruz».

¿Cuál es su obra más significativa? «Hay una obra que hice con mucho interés y se encuentra en la Sala de la Constitución. Se trata de una alegoría sobre la Constitución de 1812, un díptico de tres metros por dos de altura con un desnudo de mujer en posturas, acompañada de otros elementos propios de la época como el bastón de mando, el libro en la cadera, etcétera. No es un desnudo total porque tiene un paño que cubre partes y el escenario es típico canario. Es una de las obras que más satisfecho me ha dejado».

«Un reconocimiento a nuestra historia»


El pasado 11 de abril se inauguró la galería pictórica de retratos de rectores del centro académico. ¿Cómo surgió esta idea? «Era algo necesario porque es un reconocimiento a nuestra historia. El proyecto de la galería pictórica de retratos para mí ha sido un honor, no solo por ser el encargado (por la experiencia y el estudio previo), sino también por haber podido desarrollarlo compartiendo la experiencia con pintores conocidos y que han sido profesores de dibujo aquí, en la Facultad de Bellas Artes. Esto último ha facilitado las cosas ya que, al estar en contacto con la pintura natural, comprenden y utilizan el material fotográfico como un referente para interpretar y no para hacer una copia. No ha sido fácil, pero es un proyecto muy bonito en el que todos han colaborado».

¿Qué busca transmitir a través de sus creaciones? «Una vez me pararon por la calle para decirme: Miguel, ayer estuve cinco horas delante de un cuadro tuyo y aquello me transmitió una tranquilidad tremenda, además, iba descubriendo cosas nuevas según lo observaba. ¿Me pregunta qué busco? Busco que me digan eso, es lo más bonito que hay».

Ventura Martín: «Con mi arte intento dar voz a diferentes realidades»

Sociedad
El creador de 'No eres guiri' vistiendo la camiseta que diseñó inspirándose en La Zowi. Foto: J. González

Ventura Martín estudia Diseño Gráfico en la Universidad de La Laguna. Combina su formación académica con la fotografía y la ilustración, sectores que lleva explorando gran parte de su vida. Autodidacta y amante de las letras, creó su marca personal bajo el nombre No eres guiri. Lanzó al mercado el pasado octubre una serie de camisetas que diseñó durante el verano. Según él, a través de su arte pretende dar visibilidad a «personas no normativas dentro de la sociedad actual».

¿Cómo describirías esta primera colección? ¿Sigue un hilo conector? «Me inspiré en artistas del género trap en español y elegí a tres de los iconos femeninos más representativos con diferentes estilos dentro de esa corriente musical: Mueveloreina, La Zowi y Nathy Peluso. Busqué un procedimiento que me representase a través de las ilustraciones y fue como una primera toma de contacto con el mundo de hacer camisetas, sector bastante complejo. El diseño que hice sobre La Zowi hace referencia a una de sus canciones, Obra de Arte, donde ella dice que «es La Mona Lisa» de Leonardo Da Vinci, por lo que la dibujé como La Gioconda dándole mi toque personal».

¿Cómo surgió la idea? «El hecho de entrar en una tienda de ropa y ver cincuenta modelos de camisetas prácticamente iguales, que posteriormente serían comprados por muchas personas haciéndolas vestir casi igual, siempre me ha hecho sentir incómodo. La industria genera productos para el individuo, pero este no puede desarrollar su propia creatividad del todo. Para mi es una acción artística. Cuando estaba en el instituto hacía mis propias camisetas tie-dye, me encantaba tener algo con un diseño único y que solo yo lo llevase puesto. Aunque ahora, meses después de haber lanzado esa primera colección, ya no lo veo factible. Me he dado cuenta de que poner ropa a la venta conlleva la explotación de segundas y terceras personas, ya que se tienen que fabricar los materiales y las telas. Me gustaría encontrar la forma de producir las prendas por mi cuenta al 100 %».

¿De dónde sacas la inspiración? «Tengo como referente un estilo de contorno, donde trabajo mucho la línea y aplico colores a ciertas partes, basándome más en el ámbito del diseño y de cómo componer la tipografía. Las tres camisetas tienen diferentes ejercicios de composición de la letra junto con la ilustración».

Las ilustraciones con las que alimentas a tus seguidores de Instagram, lugar que también sirve como escaparate para ti, ¿reflejan pensamientos tuyos o simplemente son dibujos? «Las ilustraciones que hago de acuarelas son un trabajo con bastante inspiración simbólica detrás y que proyectan parte de mi mundo interno. En cambio, con los diseños de las camisetas pretendía acercarme al mundo popular, buscando algo atrayente donde las personas jóvenes se pudieran identificar con esas artistas musicales, tan populares hoy en día en nuestro país. Las láminas se componen de personajes impersonales con un toque más fantasioso y místico que salen de mi cabeza y que simplemente proyecto sobre el papel».

Ilustración titulada ‘Mera ilusión’. Foto: Ventura Martín

«La gente paga para que su arte se promocione constantemente en las redes y eso a emprendedores libres como yo nos limita»


¿Instagram es un buen lugar para vender arte y darse a conocer? «Antes era más fácil que tu arte llegase a un público amplio dentro de la plataforma. El problema es que ahora la gente paga para que su material se promocione constantemente en las redes y eso a emprendedores libres como yo nos limita, ya que la visibilidad que podríamos conseguir se ve reducida. Las publicaciones que se promocionan irrumpen todo el tiempo en los stories y en tu timeline, por lo que las posibilidades de que el contenido que tú haces llegue a viralizarse son escasas».

¿Cómo intentas remediar esta situación? «La promoción en las redes ha cambiado en los últimos años y tiene otro aspecto más parecido al del mundo físico. Vivimos invadidos de marcas y publicidad y esto se ha extrapolado a Internet. Puedes tener mucha fe en lo que haces, pero siempre tendrás esa limitación. Yo prefiero no pensar en todo esto y centrarme en hacer las cosas intentando que queden lo mejor posible, perfeccionando la técnica y siendo fiel a mi estilo único y personal. Busco siempre la autenticidad antes de plantearme pagar para alcanzar una mayor proyección, al igual que un mayor número de seguidores o consumidores».

¿Un diseñador como tú, o un artista en general, necesita renovarse? «Sí. Ya todo está prácticamente inventado, ahora lo que hacemos es modificar como queremos las cosas, uniendo diferentes corrientes para crear nuevos estilos. Yo voy buscando una visión estática, experimentando desde el ámbito de mi percepción, voy haciendo variaciones dentro de lo que me gusta o de lo que creo que es estético».

Figuras de toque fantástico están muy presentes en tus ilustraciones, ¿a qué se debe? «Me interesa el arte que antiguamente era sacro. El ser humano expresaba su visión del mundo desde un punto de vista más espiritual o mediante la fe. No me atrae mucho un mundo tan científico y antropológico. Busco que mis ilustraciones sean una ventana a otra realidad en la que exista un culto a la forma y al cuerpo, pero sobre todo que se dé valor a símbolos alquímicos o astrológicos, ya que ahora se dejan de lado porque se cree que ya no lo tienen».

En muchas ocasiones, las frases que acompañan a tus publicaciones en Instagram tienen un toque filosófico. ¿Por qué? «Eso depende del tipo de publicación. Creo que todos los que utilizamos las redes, en cierto modo, pretendemos proyectar una imagen de lo que nos gustaría ser más de lo que realmente somos. Por ejemplo, antes buscaba en una canción o en un poema una frase que reflejase tal cual lo que yo quería mostrar. En cambio, ahora indago en frases o reflexiones que puedan tener una doble lectura y que me sirvan para explicar una obra que he hecho. Siempre intento darle una verbalización a todo el trabajo artístico que hago».

¿Alguna de tus influencias, o artistas que te inspiren, destaca por encima de las otras? «No quiero alcanzar el estilo de nadie, pero sí es cierto que los artistas que sigo y consulto asiduamente tienen un procedimiento artístico muy marcado. Pretendo llegar a ese punto. Me gustan mucho Taylor Benson y Audrey Kawasaki».

Reivindicando una relación amorosa entre dos mujeres. Foto: V. M.

«Intento dar voz a otras realidades, como un hombre que se maquilla o dos mujeres que se quieren»


Compaginas tus estudios de Diseño Gráfico con la fotografía. ¿Consideras que tus fotos son reivindicativas? «La fotografía para mi es muy importante. Cuando estaba en el instituto vi que era una herramienta artística que me atraía bastante. El ámbito en el que me muevo, al igual que la gente con la que trato, suelen ser personas que no están normalizadas en la sociedad por su condición sexual, racial, por su físico… Me gusta que todas estén representadas dentro de mi arte y no seguir siempre un mismo canon de individuo normativo. Intento dar voz a otras realidades, como un hombre que se maquilla o dos mujeres que se quieren. Y también a movimientos como el punk y el hippie».

¿Por qué el nombre de No eres guiri? «No eres guiri es un proyecto personal de marca. El nombre surge como una forma para reírme de mi mismo, ya que anteriormente en mis perfiles de redes sociales me hacía llamar con un nombre extranjero. Por otra parte, «guiri» siempre se ha usado en las Islas para denominar al forastero turista. Es un término al que yo le quiero dar una segunda lectura, abarcando cualquier tipo de nacionalidad. Creo que no hay frontera de cultura, sino que todos somos iguales. No eres guiri es la aceptación de todo el mundo».

¿Tienes proyectos futuros? «Por ahora lo que tengo planeado es indagar en nuevos sectores de trabajo dentro del diseño, como extrapolarlos a papel e intentar expresar mi imaginario rodeado siempre de simbología y palabras en pancartas, cartelería, posters… También me gustaría realizar trabajos relacionados con el packaging o la artesanía, objetos que puedan utilizarse en la vida cotidiana. Gracias al proyecto de las camisetas fui consciente de que hay que tener paciencia y ser perseverante en todo lo que hagas. Tenemos que buscar apoyo en nuestro círculo de amigos más cercano, al igual que en nuestra familia».

Tres artistas como un castillo

Cultura / Ocio

Trilogía es el nombre de la exposición que se inauguró, la noche de ayer, 15 de mayo en el Castillo de San Felipe del Puerto de la Cruz. Los protagonistas de la velada fueron Martina Armas Valero, Samuel Martin Adán y Andrea Luis Hernández, tres estudiantes del grado en Bellas Artes de la Universidad de La Laguna. El trío artístico acudió al completo para presentar, a sí mismos y a sus obras, ante los curiosos y amantes de la cultura que acudieron a la apertura.

El estreno estaba programado a las 20.00 horas, y, de forma puntual, el imponente castillo del Puerto de la Cruz  comenzó a llenarse. La presentación tuvo lugar minutos más tarde, y la artista que inició la velada, rompiendo así el hielo, fue Martina Armas. La estudiante y amateur en el mundo de la pintura explicó a los asistentes que la colección de obras expuestas se trata de una recopilación de los trabajos realizados en su etapa académica. Es por ello por lo que, en una apuesta por retarse y descubrir su personalidad artística, realiza temas distintos, técnicas diversas y diferentes estilos. Martina concluyó la ponencia con un tono crítico en cuanto al papel que juega la mujer en el mundo artístico, aludiendo al desconocimiento del público sobre grandes pintoras féminas, y, trasladó, un deseo férvido en el cambio de este panorama.

Andrea Luis, Matina Armas Valero y Samuel Martin. Foto: Lucía Ayllón

Tras ella, Samuel Martín comenzó a presentar sus creaciones. El pintor describió su trabajo artístico como gótico y tétrico. Además, añadió que, para realizar sus obras suele inspirarse en la literatura. En algunos de sus trabajos más destacados admitió reflejar una trama común que es la de plasmar la dualidad de la realidad, las dos monedas de una misma cara, la verdad y lo que se esconde tras esta. Por último, Andrea Luis invitó a los asistentes a subir al piso superior del establecimiento donde está exhibido su trabajo. La artista describió su etapa artística como «corta pero intensa» y se definió como multidisciplinar. Prueba de ello es que, además de exponer su obra pictórica, también presentó trabajo escultórico, grabados, e incluso, lienzos donde utiliza técnicas mixtas como el bordado. La autora abarca muchos temas, entre ellos, la cultura cubana, los estereotipos y roles de género, crítica hacia la sociedad que convierte al artista en una mercancía, la infinidad y otros muchos.

Klara Clara. Foto: Lucía Ayllón

La guinda del pastel, en una noche perfecta, fue la presencia de Klara Clara. La intérprete le puso banda sonora a toda la velada y, el público, entusiasta, acompañó a la cantante con los coros y palmas.  La asistencia al acto fue plausible, aunque no hubo un lleno completo. Fue un acto único y una parada más que recomendable para cualquier amante del arte que se encuentre cerca del Puerto de la Cruz.

Los videojuegos ya no son lo que eran

Opinión
La industria está muy avanzada y logra una jugabilidad cada vez más dinámica. Foto: PULL

La definición de videojuego ha quedado un poco ambigua. Es cierto que es una aplicación interactiva, es cierto que está orientada al entretenimiento y es cierto que permite simular experiencias en la pantalla de un televisor, de un ordenador, un móvil u otro dispositivo electrónico. Pero a todo esto habría que añadir algunas renovaciones como que ya no es solo entretenimiento a lo que está orientado, ya no solo simula experiencias y ya no solo se transmiten en los dispositivos mencionados sino que traspasan las barreras de lo que conocíamos hasta ahora.

Hoy en día la sociedad es testigo de que este sector ha evolucionado de tal manera que cuesta imaginarse dónde están los límites o hasta dónde podrán llegar. También es difícil creer que el origen de este sistema surgió hace apenas unos treinta años, aunque ha sido en la última década cuando las desarrolladoras han sido provistas de los recursos y tecnología necesarios para dar el salto definitivo hacia una realidad alternativa.

Se ha llegado hasta tal punto que los videojuegos no tienen nada que envidiar a muchas de las películas y series que existen. Mientras que la industria del cine busca contarnos una historia e involucrarnos en una perspectiva mediante la vista y el oído, aquí se da un paso más allá. Se adaptan estas técnicas sobradamente conocidas a un nuevo factor que logra de forma más directa que el consumidor participe en la ficción. Mediante los mandos podemos realizar toda clase de acciones con nuestros personajes, acotados en los márgenes que cada ambiente concede, además de un sinfín de detalles que complementan lo que existe alrededor. ¿Pero y si se quisiera llegar a tal grado de simulación que ni siquiera los mandos hicieran falta? Pues esa pregunta ya ha obtenido respuesta. Existen plataformas donde, con el uso de nuestro propio cuerpo, podemos realizar movimientos y actividades creando una sensación de existencia casi absoluta.

Además, está la realidad virtual, que se emplea en dispositivos para producir una apariencia de autenticidad, pues permite tener la sensación de estar presente en ella. La RV es lo más próximo que tenemos en cuanto a una experiencia supuestamente real, pendiente de mejora, pero no se descarta que en un futuro, el avance tecnológico logre alcanzar métodos que puedan incluso cuestionarnos cuál de las dos es lo auténtico.

Capaces de despertar nuevas emociones


También está el detallismo y profundidad de los últimos juegos. Aunque nosotros no somos los protagonistas de las historias, como ocurre en los ejemplos anteriores, si es verdad que existen grandes narrativas de personajes que hacen creernos todo lo que dicen y hacen. Los imponentes gráficos con los que se trabaja hoy en día provocan una gran admiración por parte de estos. Y es que basta con ver a una persona emocionarse con una cinemática, saltar de alegría por superar un obstáculo o nublarse de rabia al ver actuar a los antagonistas para darse cuenta de que el mundo de los videojuegos ya no es lo que era.

Tampoco es oro todo lo que reluce, puesto que la adicción y la intensidad que desprenden estos formatos fácilmente es corrompida por la obsesión de querer tener más o de volver a repetir dichas sensaciones. Si uno no controla bien sus impulsos, puede ser atraído durante incontables horas en frente de la pantalla sin darse cuenta, dando lugar a una pérdida excesiva de tiempo.

Los videojuegos ya no son lo que eran, y pronto su definición volverá a cambiar por completo. Atrás queda el pensamiento de que los juegos son para niños únicamente porque los adultos han encontrado su hueco en una comunidad cada vez más extensa y variada. Pero una cosa sí está clara y es que seguirán sorprendiendo al personal de manera que uno logre emocionarse, pensar constantemente en ello, hacer que se cuenten los días para ver más contenido o tener como referencia algunos de estos títulos. Habrá que empezar a valorar todo lo que hay detrás de estos trabajos y puede que debamos empezar a calificarlo como arte, uno técnico y gráfico, pero arte.

 

Lo alternativo como primera opción

Cultura / Ocio

Alex Leto es el coordinador del colectivo de artistas The C Project. Lleva desde el 2014 dinamizando el sector cultural tinerfeño. Música, cervezas y mucho arte. Así son los eventos del grupo de artistas canarios más relevante del panorama actual. Empezaron exponiendo en tiendas de ropa vintage, como Dicky Morgan, Flamingos Vintage Kilo o Kish Vintage Apparel, y llegaron a armar eventos en el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife. Su último objetivo ha sido la conquista del Castillo de San Felipe en el Puerto de la Cruz.

“El proyecto surge en el 2014 como una acción estrechamente relacionada con la revista de arte contemporáneo The Cultural, de ahí la C del nombre”, explica Alex Leto, fundador del Grupo. Las exposiciones eran una actividad paralela a la publicación del número mensual y una retroalimentación de la filosofía de la Revista. También nace de la inactividad del campo expositivo local y las pocas brindadas a los artistas emergentes que empiezan su carrera: “Se crea este colectivo para darle salida a toda esta producción, para dar voz, difusión, apoyo y proyección al arte canario contemporáneo”.

Alex Leto en la cantera de artistas tinerfeños: la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna.

Así se comenzó a fraguar una especie de rutina mensual donde tanto el público asistente a los eventos como los artistas comenzaron a sentir suya esta idea. Poco a poco se fueron uniendo al colectivo artistas nuevos: “Algunos componentes están desde el principio, otros se han incorporado después y algunos han dejado de exponer con nosotros, es un proceso bastante orgánico”. Con la entrada de gente nueva, esta rama expositiva se fue separando de la revista hasta ser hoy un proyecto prácticamente independiente.

Tras pasar dos años prácticamente de manera nómada por diferentes espacios, la artista canaria Arancha Iriarte cede la galería Iriarte a Alex Leto para que la gestione y lleve durante un año y medio hasta su cierre el pasado mes de enero. “Se podría decir que conseguimos llegar al punto más alto obteniendo un espacio fijo, con todas las comodidades y recursos necesarios”, explica el comisario de The C Project. “Nos consolidamos como marca y crecimos como nunca imaginamos”, añade.

Alex Leto en la cantera de artistas tinerfeños: la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna.

“Nos alzamos como estandarte y vientre mater de la gestación canaria más contemporánea”


Cuando este nuevo espacio expositivo cerró, después de más de un año de frenética actividad, el Grupo entró en “una tími-da latencia” que continuó hasta agosto. Dentro de las actividades del Phe Festival, festival de música indie de Tenerife, representaron a la vanguardia artística: Phe Gallery. Al acto inaugural asistieron el director del Phe Festival, Carlos Ulises Salazar, y Sandra Rodríguez, concejala de Cultura del Puerto de la Cruz.

Haciendo uso de un espacio clásico donde los haya, el Castillo de San Felipe en el Puerto de la Cruz, “nos alzamos como estandarte y vientre mater de la gestación canaria más contemporánea”, afirma el líder del proyecto. A través de diferentes técnicas artísticas: pintura, escultura, grafiti, instalaciones, video arte, performance… produjeron una exposición colectiva “donde lo urbano y social es lo protagonista”.

“Estamos muy contentos con la asistencia a la exposición y con las impresiones que hemos recibido del público”, dice después de que más de dos mil personas hayan visitado ya la muestra, según cifras del Castillo de San Felipe.

Poesía somos todos

Opinión

Me despierto por la mañana, suspiro y pienso. Coloco el reloj en mi muñeca y sé que hoy volverá a suceder. Escribiré versos nunca antes imaginados, soñaré todo aquello que no consigo visualizar con los ojos cerrados y haré el amor con mis propias manos. Me importa muy poco si se piensa más de la cuenta: solo quiero llevarte de la mano a dar una vuelta. Deseo con todas mis fuerzas romper las fronteras y, la primera, la de la vergüenza que sienten las letras al compararse con aquello que llamamos ciencia.

Si decimos buenos días o te quiero, las usamos, sí, empleamos varias palabras que tienen el súper poder de transmitir pensamientos o sentimientos: de estos últimos podemos gritar uno, diez o cientos de ellos. ¿Qué sería de ti, de mí y de nosotros si no conociéramos la infinidad de series de caracteres que conforman nuestros nombres? ¿Qué sería del día a día si no existiera la poesía?

La poesía es un arte nada fácil


“¿Y tú me lo preguntas?”, poesía somos todos. Poesía es un arte nada fácil y que, sin comprenderlo, se camufla entre ordinarieces. Poesía es el reflejo de… ¿Cuántos sentires? ¿Dos? ¿Ocho? ¿Miles? Poesía es un suspiro, una mirada, un llanto y un lamento. También una sonrisa pícara entre abedules cerca del río y de la montaña más alta. Y un obsequio para la mente, el corazón y las nuevas ilusiones. Y chispa. Y alegría. Y tristeza. Y odio. Y arte.

El laboratorio de la literatura en verso es cualquier rincón del universo. Las probetas y los minerales son hojas en blanco y bolígrafos de colores. Nada más es necesario, o bueno… En realidad sí. Hace falta empeño, esfuerzo y tesón. No se escribe por escribir sin un rumbo fijo ni un mensaje que transmitir. No se trata de juntar una letra con otra y dejarlo así. La complejidad va hasta el infinito y más allá: tal vez algún día se valorará de verdad.

«La eternidad es una de las raras virtudes de la literatura»


Por muchas investigaciones y avances que vayan de la mano de la ciencia, difícilmente lo que dijo Adolfo Bioy Casares podrá superarse: “La eternidad es una de las raras virtudes de la literatura”. No hacen falta medicinas ni operaciones, solo imaginación y ganas de hacer las cosas cada vez mejor. Ante todo, debe apreciarse el valor de lo que hasta ahora ha estado en un segundo plano: la poesía y la maestría de todos aquellos que saben manejar el abecedario.

Paseando de la A a la Z y viceversa, pueden encontrarse metáforas y rimas a mano derecha, sonetos y baladas habladas a la izquierda y, de frente, una tormenta perfecta de buenas intenciones. Al igual que muchos granos de arena forman una playa paradisiaca en medio de la nada, una letra puede cambiar la perspectiva de una situación determinada. Un cuadro de Van Gogh, es arte; una ópera de Verdi, es arte; un poema de Antonio Machado, también es arte. Y no olvidemos que si preguntas qué es la poesía, la respuesta adecuada sería que poesía somos todos.

La riqueza volcánica canaria, en el Círculo de Amistad XII de Enero

Artes y Humanidades

El Círculo de Amistad XII de Enero de Santa Cruz de Tenerife presentó ayer, miércoles 28 de febrero, en su teatro social la primera de las conferencias basadas en ámbitos humanísticos, todas ellas en convenio con la Universidad de La Laguna. La ponencia Escultores que trabajan en piedra en Canarias se asentaba en un estudio sobre artistas que usan materiales volcánicos para sus obras. La charla fue desempeñada por María Isabel Sánchez Bonilla, diplomada en escultura por la Escuela de Bellas Artes de Sevilla y doctorado por la Universidad de La Laguna junto a Esther Rodríguez Suárez, que realizó su formación académica en la Escuela de Arte y Superior de Diseño Fernando Estévez y cursó el Grado en Bellas Artes en la Universidad de La Laguna.

En la ponencia, basada en la tesis doctoral de Rodríguez Suárez, se realizó un repaso de la formación volcánica del archipiélago, la composición geológica y los escultores canarios que trabajaron distintos tipos de roca en sus obras. Sánchez Bonilla realizó un profundo análisis sobre la mineralogía canaria y los tipos de piedras que podemos encontrar en las Islas Canarias. «Es el lugar donde tenemos la mayor riqueza de minerales que un escultor puede desear. Aquí, la formación volcánica es bastante compleja, estamos rodeados de cráteres. Cada territorio es diferente, podemos encontrar en ellos materiales petrológicos distintos. Tenemos representados prácticamente todo los tipos de roca posible’’, subrayó.

A su vez, señaló que nuestro entorno es muy rico en cuanto a minerales, y que no solo lo confirman los expertos, sino que lo ha contratado mediante su propia experiencia. También, resaltó que somos privilegiados por habitar en un lugar en el que están presentes todo tipo de granito volcánico, desde ultrabásicas a las alcalinas, propias de fases finales de diferenciación magmática.

‘’La mayoría de los escultores trabaja con el basalto’’


Por su parte, la doctora Rodríguez Suárez mostró al público diversos estudios que efectuó para completar su memoria, entre ellos una serie de encuestas a escultores. La finalidad era averiguar los métodos de trabajo que usaban, las técnicas y, sobre todo, el tipo de material volcánico empleado por los artistas. «De entre muchos colaboradores, se seleccionó la obra de veintiún autores entre las provincias de Las Palmas y Santa Cruz de Tenerife. En las preferencias de los autores predominan las esculturas abstractas y la utilización del basalto, aunque había predilección por la traquita, el triquibasalto y los materiales blandos como la ignimbrita. Hay bastantes diferencias porque muchos expertos realizan la tarea de forma artesanal».

Como cierre de la ponencia, se mencionó a los autores que se estudiaron en la tesis. Entre ellos encontramos a creadores como Plácido Fleitas, César Manrique, Tony Gallardo o Ana Ruiz, entre otros. Para concluir, se realizó un debate final y una muestra del trabajo de jóvenes escultores.

«Parte de la sociedad quiere que el arte sea gratis, bueno y bonito»

Artes y Humanidades

Elvira Piedra Vera es una ilustradora natural de San Cristóbal de La Laguna, en Tenerife. Realizó su primera formación artística en la Escuela de Arte y Diseño Superior Fernando Estévez y actualmente estudia el Grado en Bellas Artes en la Universidad de La Laguna. En este último año, ha participado en acontecimientos como la Tenerife Lan Party o la TLP weekend  dando a conocer su trabajo. Además, ha presentado diversas exposiciones por distintos núcleos de las islas como el Salón del Manga de Gran Canaria, el Museo Lercaro de La Laguna  y en el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife para el evento Merkarteel cual reunía a numerosos dibujantes. Posee un estilo original y llamativo en el que predominan el color y el delineado influenciado por el pop art y el cómic americano así como el cine y las series, entre otros.

Cursas Bellas Artes en la Universidad de La Laguna, ¿te resulta complicado compaginar los estudios con el trabajo? «Sí, aunque actualmente me he tomado una pausa, por lo que tengo más tiempo para trabajar y complementar mi formación con otros cursos. Es bastante difícil armonizar la carrera con algo más, sinceramente».

¿Cómo definirías la experiencia de exponer en el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife? «He expuesto varias veces en él. La primera vez me sentí muy importante, percibí que daba un gran paso y fue una experiencia muy buena, ya que mi obra tuvo una acogida maravillosa. Pero en general lo vivido es espectacular. Tanto por el personal de sala, como por el público. Es un gran escaparate».

«Eventos como la TLP me han dado la oportunidad de exponer y de dar a conocer varios de mis trabajos’’


¿Participar en la Tenerife Lan Party o en la TLP Weekend te ha ayudado a darte a conocer al público más que otros medios? «Sin duda. Obviamente la TLP está enfocada a la tecnología, pero lo han compaginado con la Summer-Con y me ha dado la oportunidad de exponer y mostrar a la gente mis obras relacionadas con el cómic y mi interpretación sobre él. He conocido a personas increíbles que han dado mucho amor a mi trabajo, que se han hecho fans  y me siguen a todos los eventos que voy. Es muy gratificante».

Muchos dibujantes denuncian por redes sociales que, a la hora de vender su trabajo, algunas personas se quejan del precio o incluso de que lleguen a cobrar por ello, ¿piensas que la sociedad infravalora a los artistas? «Por suerte no todo el mundo es así. Hay mucha gente que paga gustosamente el valor de una obra original y creativa. Pero como dices, hay personas que sí infravaloran el arte y a los creadores de este. No les importa la tarea, ni las horas que hay detrás de esa ilustración. Buscan algo ‘barato que regalar’. Mi opinión es que es un problema de la cultura en la que vivimos, hablo de la sociedad española. Lo queremos gratis, bueno y bonito. No queremos pagar por lo que nos gusta».

¿Es difícil el mundo del arte? «Sí, el mundo creativo es muy duro. Suelo decir que es igual de complicado que cualquier otra ocupación, pero he ido cambiando de opinión. Es una labor que no tiene horarios, depende de tu estado de ánimo, de la inspiración, de gustos… Es un trabajo que ahora mismo está muriendo por culpa de las redes sociales. Te gusta una imagen, la cortas, la guardas y publicas y no sabes quién es el artista que está detrás de esa foto que tienes de fondo de pantalla que tanto te encanta. Y eso produce una pequeña muerte del arte y de su creador, no pensamos que hay alguien detrás que elaboró eso. Podría dar más ejemplos, pero se haría muy largo. Con esto no quiero decir que las redes sociales sean malas, para nada, yo vivo de ellas y de publicar mis producciónes».

¿Crees que se puede llegar a vivir de él? «Sí, se puede, pero hay que esforzarse mucho y luchar. Eso del ‘artista bohemio’ hace siglos que quedó atrás».

»La labor artística es muy dura. Es un trabajo que no tiene horarios»


¿Crees que hay que irse fuera de las Islas para tener más oportunidad en el mundo artístico? «No puedo darte una respuesta definitiva porque es algo muy relativo. Conozco artistas canarios que trabajan para editoriales de fuera, pero realizan su labor aquí, desde casa. Y otros que al marcharse, han conseguido encontrar una ocupación relacionada con el arte. A veces la solución no es emigrar para dedicarnos a lo nuestro, pero en cambio creo que trasladarse al exterior nos enriquece de una manera creativa, que es brutal».

¿Cuánto tardas en dibujar una lámina? «Eso varía de muchas formas. De si es grande o pequeña, de la técnica que use, las ganas, de si tengo o no flow -concentración- o si es una idea muy compleja la que quiero plasmar. A veces es cuestión de horas, y otras de días».

¿Qué futuros proyectos tienes en mente? «Pretendo participar en un par de eventos muy interesantes de la península y estoy pendiente de una exposición en una galería de Madrid. Actualmente me encuentro finalizando mi formación como tatuadora profesional y tengo varias ideas personales en mente. Aunque ahora mismo solo estoy centrada en mi trabajo artístico y en desarrollar mi obra, estoy abierta a cualquier tipo de propuesta. Nunca se sabe que puede pasar».

 

La Universidad Complutense de Madrid homenajea a Sofía Gandarias

Mundo

La Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid (UCM) fue la encargada de inaugurar la exposición fotográfica «Sofía Gandarias. Mujeres» el pasado 8 de marzo. La presentación, que rinde homenaje a la pintora española, estará disponible hasta el próximo 18 de abril.

Con motivo del aniversario de su fallecimiento, el catedrático Manuel Huertas, amigo y compañero de estudios de Sofía, con la ayuda de su marido Enrique Barón y su hijo Alejandro, ha sido el responsable de realizar una selección de aproximadamente unas 60 obras de las 850 que la artista llevó a cabo durante su vida.

Por otro lado, cabe destacar el estreno de dicha muestra el Día Internacional de las Mujeres, ya que «hablar de mujer trabajadora es hablar de Sofía», declara Barón. Este pensamiento lo comparte también la decana de la facultad, Elena Blanch, que reconoce que personas como Gandarias son un incentivo para la lucha de la igualdad. Huertas, por su parte, afirma que no ha querido que esta fuese una exposición monotemática, «sino una representación de ella en todas sus fases».

Además, los asistentes podrán disfrutar también de una rueda de conferencias titulada también «Mujeres» con la presencia de la escritora Ángela Rodicio.

Fotografía: Jesús de Miguel (UCM)

Reinterpretación de los maestros de la pintura isleña

Vídeo

El Círculo de Bellas Artes de Tenerife ha acogido estas semanas una exposición sobre los últimos noventa años de la historia del arte y la cultura en la Isla. En ella se hizo una revisión de las obras de los artistas precursores de las vanguardias históricas. La muestra se clausuró ayer sábado 26 de noviembre.

Esto es Teatroscopia

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El grupo de teatro aficionado acerca a todos los jóvenes su peculiar forma de crear arte en el movimiento, la voz, la danza y el respeto. Con algo más de 40 participantes, el grupo nació con un simple cartel y la buena voluntad de sus primeros integrantes hace cuatro años. Dedicados al teatro amateur, después de varios estrenos se han asentado como un grupo sólido, curtido con cada ensayo.

‘El Escondite’ anuncia más ediciones de OpenMic

Cultura / Ocio

Los interesados en difundir y mostrar su arte, así como expresarse a través de sus diferentes ramas, tienen una nueva cita este jueves 28 de abril a las 21:30, con la segunda edición de Noches de bohemia. La entrada y la participación a este evento es gratuita y libre. Música y poesía de diferentes géneros, interpretaciones, cuentacuentos, entre otros se reunirán una vez más en la tarima de El Escondite.

La iniciativa está apoyada por la taberna, Cándido Pérez de Armas, director de cine, relaciones públicas y uno de los encargados de la parte artística de El Escondite, y organizada por el grupo y movimiento artístico Soxclock, que siempre fomenta y apoya los eventos que implican expresión artística, sobre todo si tienen que ver con el teatro, la poesía, la escritura y la narración de historias.

La pasada edición fue inaugural y se celebró el 21 de abril. Tuvo un gran éxito, llenando el local y contando con más de 20 participantes en la tarima, algunos de ellos músicos, poetas, actores, cantantes, etc. Una de las participantes de esa noche, Sofía Gil Lemos, manifestó que le encantó formar parte de Noches de Bohemia porque «el micro abierto engloba todo: poesía, música, rap… no se dedica a una única cosa, es muy amplio». La joven, que también es fotógrafa a parte de poeta, leyó varios poemas suyos y de otros autores. El jueves, desea leer poemas de Gustavo Adolfo Becquer.

Cabe destacar que Noches de bohemia es uno de los primeros actos de la agenda cultural de El Escondite y que planean incorporar más eventos de este tipo. Uno de ellos tendrá lugar el día siguiente a las 21:00. También será un micro abierto, pero centrado en el humor. Carlos Castillo estará en el local actuando, dirigiendo y animando a los asistentes, que lo deseen, a subir al escenario de El Escondite para hacer reír al público.

Castillo es un habitual participante e impulsor de los OpenMics generales y aquellos centrados en la comedia, así como de sesiones privadas de humor. Ha apoyado varios micros abiertos en otros bares y locales de La Laguna y Santa Cruz como EliRomm Café, Atelier&Co o CafeSiete.

 

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